Die besten Filme über den Zweiten Weltkriegs

Krieg, wofür ist es gut? Nun, zwischen dem Blutvergießen, dem Luftangriff und der Vertreibung von Zivilisten keine große Menge (vereinbart, Edwin Starr). Aber während der Zweite Weltkrieg wie alle großen Konflikte von Zerstörung in unergründlichem Ausmaß geprägt war, waren die Filme, die den Krieg dokumentierten, unendlich kreativ. In der Tat waren die großen Köpfe des Kinos bereits bemüht, den Krieg zu dokumentieren und zu erforschen, während er stattfand. Das Genre des Zweiten Weltkriegs umfasst Hollywood- Action-Epen und herzzerreißende Romanzen , aber es gibt auch Filme, die Empathie für “den Feind” aufbauen, wie Clint Eastwoods “Briefe von Iwo Jima”.

Wie wählt man die besten Filme aus dem Zweiten Weltkrieg aus, die jemals gedreht wurden? Wir haben die Experten hinzugezogen – speziell einen Experten: Quentin Tarantino – und den Rat dieser hart arbeitenden Time Out-Autoren eingeholt. Hoffen wir jetzt nur, dass es für den dritten Weltkrieg nie eine Best-of-Liste geben muss, oder?

Fallschirmjägerkommando (1959)

Quentin Tarantino sagt … ‘Dies ist von einem meiner Lieblingsregisseure, William Witney, einem Amerikaner, der das Filmgeschäft aufgegeben hat, um in die Armee zu gehen. Sie können sagen, dass es von jemandem gemacht wurde, der dort gewesen war. Es folgt eine Gruppe von Fallschirmjägern in Italien, aber einer von ihnen ist ein Mistkerl, der versehentlich einen seiner Mitarbeiter tötet. Er hat also Leute im Zug, die ihn töten wollen und nur auf die richtige Schießerei warten. Und das Ende des Films ist so aufregend. Sie müssen ein Feld von Landminen überqueren und einen Mann nach dem anderen einschicken, bis er in die Luft gesprengt wird. Irgendwann wird jemand auf die andere Seite kommen. Alle diese Charaktere werden einfach ausgelöscht. ‘

Flucht zum Sieg (1981)

Roy of the Rovers trifft auf ‘Stalag 17’ in der Fußballphantasie eines Jungen, als selbst seine größten Fans es in der Champions League des Kinos nicht schaffen würden. Aber mit seiner summbaren Punktzahl, einer Auswahl an Fußballgrößen der späten 70er Jahre, einigen Schauspiellegenden und einem mitreißenden Finale auf dem Spielfeld ist es eine gute Zeit für alle, die bereit sind, durch die Seillinien zu waten. Ernsthaft, wo sonst werden Sie Max von Sydow und Pelé auf dem Bildschirm sehen? Michael Caine klebt es zusammen mit einer Performance, in der er alles gerader spielt als ein Ossie Ardiles durch Ball. PDS

Stalingrad (1993)

Vergessen Sie ‘Enemy at the Gates’ und das Fyodor Bondarchuk CG-Fest 2015, diese seltene deutsche Sicht auf den Konflikt ist ein viel authentischerer Blick auf die Hölle, die Stalingrad war – der Wendepunkt im Zweiten Weltkrieg und einer der meisten brutale Schlachten in der Geschichte der Menschheit. Thomas Kretschmann spielt ein Nazi-Büro, das einen Zug in den Tiegel führt und im Geiste von “Das Boot” (mit dem dieser Film die Produzenten teilt) darum kämpft, sie wieder herauszuführen. Es ist erschütternd, trostlos anzusehen. Es ist auch ein unglaublich ehrliches Beispiel für einen Film, der sich mit der schrecklichen Vergangenheit eines Landes befasst: ehrlich und unangenehm bis zuletzt. Diese Geschichte hatte kein Happy End. PDS

Die Festung (1983)

Dies ist ein herrlich bizarrer Kabeljau-Spiritualist Dark Castle Chiller von Michael Mann vor ‘Heat’. Die nebligen Eröffnungssequenzen, in denen Jürgen Prochnows toter Fleisch-Nazi-Zug die von Dämonen besetzte Festung besetzt, sind atemberaubend. Manns großartiges Auge für visuelle Details verschmilzt mit spektakulären Designarbeiten, um eine echte Atmosphäre drohender Angst zu schaffen. Mit der Einführung von Scott Glenns mystischem jüdischen Übersetzer (ja, sein Name ist wirklich Glaeken Trismegestus) beginnt es auseinanderzufallen, aber die unverschämte Verrücktheit und die wundersamen Kulissen des Films haben dazu beigetragen, eine ziemlich solide Fangemeinde aufzubauen. TH

Tage des Ruhms (2006)

Es gibt Hunderte von unzähligen Geschichten aus dem Zweiten Weltkrieg, die noch gedreht werden müssen. Rachid Boucharebs Drama beleuchtet die nordafrikanischen Soldaten, die nach dem D-Day für die Freien Franzosen eingezogen wurden. Der Film selbst ist eine vorhersehbare Milbe, aber was beeindruckend ist, sind die Wellen, die er verursacht hat: Nach der Veröffentlichung stimmte die französische Regierung zum ersten Mal zu, den verbleibenden Witwen nordafrikanischer Kämpfer eine Entschädigung zu zahlen. Beweis, dass ein Kunstwerk noch direkte politische Auswirkungen haben kann. TH

The Pianist (2002)

Roman Polanski startete das 21. Jahrhundert mit einem raffinierten, mit dem Oscar ausgezeichneten Überlebensdrama des Zweiten Weltkriegs, das nicht nur eine authentische Darstellung des Warschauer Ghettos bot, sondern auch bewies, dass der Regisseur – abgesehen von Kontroversen – immer noch liefern konnte, wenn es darauf ankam. Adrien Brody wurde zu Recht als bester Schauspieler für seine gedämpfte Darstellung des jüdischen Konzertpianisten Władysław Szpilman ausgezeichnet, dessen Mission, gegen titanische Widrigkeiten am Leben zu bleiben, ein inspirierendes Zeugnis des menschlichen Selbsterhaltungstriebs ist. DJ

The Dam Busters (1954)

Die berühmte echte Partnerschaft von Boffin-Wissenschaftlern und mutigen Piloten wird in einem Kriegsfilm mit steifen Oberlippen zum Leben erweckt, der ausreichend Bestand hat, um die Rede von einem Remake von Peter Jackson zu entfachen (leider immer noch ungemacht). Dank ‘The Dam Busters’ ist der Überfall von 1943 auf die Ruhrdämme mit springenden Bomben ins öffentliche Bewusstsein eingedrungen. Es ist immer noch ein Juwel des Genres, mit Michael Redgrave, der aufrichtig und doch als gewissenhafter Erfinder Barnes Wallis und Richard Todd als RAF-Flügelkommandant Guy Gibson in Konflikt geraten ist. Die Spezialeffekte mögen jetzt ein wenig hokey aussehen, aber sie haben den letzten Angriff auf den Todesstern in ‘Star Wars’ inspiriert. PDS

Ich war eine männliche Kriegsbraut (1949)

Hollywood hat einen schlechten Ruf, wenn es darum geht, knifflige Buchtitel zu reparieren, wie zum Beispiel “Do Androids Dream of Electric Sheep?” zu ‘Blade Runner’. Im Fall der Autobiografie des französischen Armeeoffiziers Henri Rochard “Ich war eine außerirdische Ehefrau von weiblichem Militärpersonal auf dem Weg in die Vereinigten Staaten nach dem öffentlichen Recht 271 des Kongresses” haben wir angenommen, dass sie einen Punkt hatten. In dieser lustigen Gender-Swap-Komödie von Screwball-Meister Howard Hawks spielt Cary Grant Rochard (der gnädigerweise einen französischen Akzent meidet), dessen Romanze mit der Chauffeurin Ann Sheridan dazu führt, dass er sich als Frau verkleidet und sich in die USA schmuggelt. TH

Black Book (2006)

Fast drei Jahrzehnte nach seiner gutaussehenden, aber eher ruhigen Widerstandsgeschichte “Soldier of Orange” besuchte Schockmeister Paul Verhoeven den Zweiten Weltkrieg erneut, um eine Geschichte über jüdische List und erotische Spionage zu erzählen . Aber unter all der Nacktheit und dem Blutvergießen verbirgt sich eine intelligente, originelle Studie über Besatzung und Rache: Der letzte Schuss, der subtil Parallelen zwischen der Besetzung Hollands und der Geburt Israels zieht, ist mutig und brillant. TH

Schlacht um Großbritannien (1969)

“Noch nie im Bereich menschlicher Konflikte wurde so viel von so vielen bis so wenigen geschuldet.” Die schönste Stunde des Spitfire wird in einem mitreißenden, salzigen Rip-Roarer von Bond-Movie-Hauptdarsteller Guy Hamilton nachgebildet. “Battle of Britain” spielt alle, von den alten Profis Michael Redgrave und Laurence Olivier (fruchtig wie immer) bis zu Nachwuchskräften wie Michael Caine und Ian “Lovejoy” McShane. Obwohl das Drama auf Filmmaterial gedreht wurde, das aussieht, als wäre es in milchigem Tee verarbeitet worden, bietet es einige bemerkenswerte Luftaufnahmen (George Lucas hat seinen Einfluss auf die Weltraumschlachten in “Star Wars” bemerkt) und sorgt für ein mitreißendes und authentisches Spektakel. ALD

Die unrühmlichen Bastarde (1978)

Nicht Tarantinos Bild aus dem Zweiten Weltkrieg, sondern der B-Film von 1978, der es teilweise inspirierte. Regisseur Enzo G Castellari ist ein Held für Kultfilmfans überall: Seine 40-jährige Karriere hat uns ein halbes Dutzend anständiger Euro-Western beschert, ein paar Abzocke von Hits wie “Jaws” (“The Last Shark”) und ” Mad Max ‘(‘ 1990: The Bronx Warriors ‘) und die Detektivserie’ Extralarge ‘aus den 1990er Jahren im italienischen Fernsehen. Aber dank Tarantinos Tribut wird er für diesen Actioner aus dem Zweiten Weltkrieg am besten in Erinnerung bleiben. Explosiv, farbenfroh und schlanker als Sie vielleicht erwarten, folgt es einer Gruppe alliierter Soldaten, die … nun, wir wollen es nicht verderben. ALD

Wo Adler sich trauen (1968)

Dieses Toben hinter den Kulissen, das für die beste Leistung des Kinos auf einer fahrenden Seilbahn bekannt ist, soll auch die höchste Körperzahl aller Clint Eastwood-Filme erreichen. Hunderte Deutsche stürzen sich kopfüber in einen Bleisturm . Die Handlung enthält eine Reihe von eispickelscharfen Versatzstücken, bietet aber vor allem eine Entschuldigung für Richard Burton und Clint, aus ihren juckenden, schlecht sitzenden britischen Sachen herauszukommen und in deutschen Offiziersuniformen scharf auszusehen. Diese Nazis: kein moralischer Kompass, aber was für eine Schneiderei! PF

Ein Spaziergang in der Sonne (1945)

Regisseur Lewis Milestone war der Meister der Grunzperspektive, und mit diesem Bericht über einige Stunden im Leben eines amerikanischen Zuges in Italien legte er die Vorlage für Dutzende von nachdenklichen Kriegsfilmen fest, die folgten. Auf langen Strecken passiert nicht viel – aber wenn es passiert, ist es gewalttätig und unwiderruflich. Es gibt wenig Heldentaten und kaum ein paar Momente des Gewehrfeuers. Der Eindruck von Kriegsführung ist weder von Gung-Ho-Ruhm noch von keuchbenetzendem Terror: Das übergeordnete Gefühl ist Verwirrung und eine quälende Traurigkeit, dass man sich in einer so schönen Landschaft eher mit Sterben als mit Leben befassen muss. PF

Kellys Helden (1970)

“Warum klopfst du es nicht mit den negativen Wellen ab?” Ja, die Hippies leisten endlich ihren Beitrag für die globale Sicherheit, als Donald Sutherlands superfreaky Panzerkommandant Oddball sich mit Clint Eastwoods mürrischem Ein-Mann-Kriegsgebiet Kelly zusammenschließt, um eine französische Bank zu überfallen und sie mit Eimern Nazi-Beute zu überfallen. Der Regisseur Brian G Hutton verzichtet so gut wie vollständig auf die historische Realität, was einige dazu veranlasst, den Film der Trivialisierung der Kriegsanstrengungen zu beschuldigen. Was es tut, aber mit solcher Wärme, Witz und Unbekümmertheit, dass es unmöglich ist, Widerstand zu leisten. Pures Vergnügen. TH

Der englische Patient (1996)

Kriegszeiten wurden selten so atmosphärisch und kunstvoll gedreht wie in Anthony Minghellas mit dem Oscar ausgezeichneter Romanze. In Anlehnung an Michael Ondaatjes Roman (einige würden es ziemlich locker sagen) spielt dieses verliebte Epos Ralph Fiennes als den unbekannten „englischen Patienten“, der von Verbrennungen bedeckt ist und von einer jungen kanadischen Krankenschwester (Juliet Binoche) betreut wird. Unter ihrer zielsicheren Fürsorge kehren flüchtige Erinnerungen an das Leben vor der Verletzung zu der kranken Patientin zurück, einschließlich vor allem der saftigen Affäre, die er mit der Frau eines Freundes hatte (Kristin Scott Thomas, die in Leinen rätselhaft aussieht). Lächerlich attraktive Menschen, die in der Wüste ohnmächtig werden: Oh, mach weiter, du wirst es wirklich genießen, es zu sehen.

Deutschland, blasse Mutter (1980)

Einer der Dreh- und Angelpunkte des neuen deutschen Kinos und leider der einzige von Frauen inszenierte Film auf dieser Liste (der etwas über Kriegsfilme aussagt). Helma Sanders-Brahms ‘Film zeigt eine feuchte Romanze zwischen Lene (Eva Mattes) und Hans (Ernst Jacobi), die zur Ehe aufblüht. Aber ihre Glückseligkeit ist von kurzer Dauer, als Hans zum Kampf abberufen wird und Lenes Leben in eine Katastrophe gerät. Es mag brutal klingen, aber Sanders-Brahms beurteilt niemals ihre Charaktere (die auf ihren eigenen Eltern basieren) und demonstriert unverblümt, wie unerbittlich düster das Leben in Kriegszeiten sowohl für Frauen als auch für Männer sein kann. DJ

34. Briefe von Iwo Jima (2006)

Angesichts seines hartnäckigen Rufs ist es überraschend, dass Clint Eastwood vor 2006 nicht dazu gekommen war, einen Film aus dem Zweiten Weltkrieg zu drehen. Aber er machte das mit einem bahnbrechenden Doppelschlag wieder wett: zwei Filme, die die Schlacht von Iwo Jima erforschen sowohl aus amerikanischer als auch aus japanischer Sicht. “Flags of our Fathers” war schwach und erforschte die amerikanische Kriegskultur. Aber “Briefe von Iwo Jima” ist atemberaubend und zeigt eine Gruppe von Soldaten, die noch mehr an Tradition und Ehre gebunden sind als ihre amerikanischen Kollegen, die in einem nicht gewinnbaren Krieg gefangen sind und nur von Heimat träumen. TH

Millionen wie wir (1943)

Kein Film erinnert besser an die alltägliche britische Erfahrung des Zweiten Weltkriegs als Sidney Gilliat und Frank Launders Drama mit den steifen Oberlippen. Es ist ein Meisterwerk der sozialen Beobachtung, das die nationale Verschiebung hin zu sozialer Eingliederung in der Darstellung des Lebens, der Liebe und der herzzerreißenden Verluste widerspiegelt, die die Crowson-Familie der unteren Mittelklasse erlitten hat. Die Schlusssequenz, in der die Munitionsarbeiterin Celia (Patricia Roc) ihren Kummer über ihren toten Geliebten gewaltsam unterdrückt und sich einer mitreißenden Fabrik singalong anschließt, ist fast unerträglich bewegend. TH

Eiskalt in Alex (1958)

Großbritanniens Besessenheit mit dem Dämonengetränk hat zu einem großartigen Kino geführt, und nach “Whiskey Galore” im Pantheon der verärgerten Bilder steht diese mitreißende, überraschend hartgesottene Geschichte von Dipsomanie in der Wüste an zweiter Stelle. Als seine Einheit von den Deutschen angegriffen wird, entführt Armeekapitän Anson (John Mills) einen Krankenwagen und fährt mit zwei Krankenschwestern und einem zweifelhaften südafrikanischen Offizier im Schlepptau durch die Sahara. Sie sind auf dem Weg nach Alexandria, und das gekühlte Lager Anson stellt sich vor, dass er es dort finden wird – vorausgesetzt, die Bosch tun es nicht zuerst für sie. Knapp und steiflippig, aber niemals schuld, ist dies einer der archetypischen britischen Kampffilme. TH

Hölle im Pazifik (1968)

‘Zwei Feinde! Eine Insel! Keine Untertitel!’ war nicht der Slogan für John Boormans allegorisches Garn über einen japanischen Soldaten (Toshiro Mifune) und einen amerikanischen Piloten (Lee Marvin), der auf einer wunderschönen, isolierten Südseeinsel gestrandet war, aber es hätte verdammt gut sein sollen. Dieser perfekt aufgeschlagene Zweihander könnte in ein unheiliges Durcheinander von Sentimentalität und Ernsthaftigkeit geraten sein. Aber ‘Deliverance’-Regisseur Boorman hatte nie zu viel Zeit für eine einfache Lösung und hält eine gleichmäßige Belastung aufrecht, da seine Leads erkennen, dass der einzige Weg zum Überleben die Zusammenarbeit ist. ALD

Reich der Sonne (1987)

“Empire of the Sun” stand mitten in Steven Spielbergs Einbruch Mitte der 80er Jahre: “Temple of Doom” wurde wegen übermäßiger Gewalt kritisiert, und es standen noch “Always” und “Hook” an. Aber es gibt unglaubliche Arbeit in “Empire of the Sun”. Die Entscheidung, Tom Stoppard zu engagieren, um JG Ballards fiktive Memoiren seiner Tage in einem japanischen Internierungslager zu adaptieren, zahlt sich mit einem fokussierten Drehbuch und einigen wunderbar denkwürdigen Charakteren aus. Das Beste von allem ist John Malkovichs machiavellistischer Hipster Basie. Christian Bale ist als junger Jim ein Star im Entstehen, während Allen Daviaus Kinematographie Größe verleiht und den Bildschirm mit blendenden Scheinwerfern, lodernden Gebäuden und am Höhepunkt Hiroshima selbst durchnässt. TH

Private Ryan retten (1998)

Spielberg, Hanks, all diese Oscar-Verleihungen. Es ist leicht, ein bisschen skeptisch gegenüber ‘Private Ryan’ zu sein. Eine wiederholte Betrachtung bläst jedoch die Spinnweben mit einem wütenden Film über Männer im Kampf weg, der Kameradschaft mit Sturmgewalt in Einklang bringt. ALD

Quentin Tarantino sagt : „Mir hat„ Saving Private Ryan “sehr gut gefallen, insbesondere die Omaha-Strandszene. Sie sehen sich diese Sequenz an und denken, könnte etwas das wert sein? Letztendlich denke ich, dass die Antwort ja ist. Aber wenn du es dir ansiehst, scheint es unergründlich, dass irgendetwas das wert sein könnte. ‘

Die Brücke über den Kwai (1957)

William Holdens autoritätswidriger US-Navy Commander Shears mit eckigem Kiefer mag der vermeintliche Held sein, aber in diesem grandiosen Epos in einem japanischen Arbeitslager ist es Alec Guinness ‘hoffnungslos kompromittierter Colonel Nicholson, mit dem wir uns wirklich identifizieren. David Leans Film, eine Geschichte über die verwischte Grenze zwischen Versklavung und Zusammenarbeit, ist voller Dschungelschweiß, als Nicholson versucht, seine Männer vor japanischer Grausamkeit zu schützen, während sie daran arbeiten, eine strategisch wichtige Eisenbahnbrücke zu bauen. Die Fotografie, Bühnenbilder und Nebenaufführungen sind alle großartig, aber es dreht sich alles um Guinness ‘hoch aufragende Wendung, als der Mann zwischen Pflicht und einer Art verdrehter, aufopfernder Ehre hin und her gerissen ist. TH

Armee der Schatten (1969)

Jean-Pierre Melvilles Film beginnt mit einer Einstellung des Arc de Triomphe, als langsam eine lange Reihe von Nazisoldaten über die Leinwand tritt. Diese heimtückische, sanft-sanfte Herangehensweise an die Traumata der Pariser während der Besatzung gibt den Ton für eine spannende Chronik des Widerstands mit stählernen Augen an. Melville schätzt die Zurückhaltung und nimmt einen knappen, undemonstrativen Schießstil an, um seine “Helden” als selbsthassenden Kader zu präsentieren, der nichts davon hält, im Namen seiner Nation Leib und Leben zu riskieren. Die Flucht aus dem Gefängnis ist kurz und unscheinbar, Spionage ist anstrengend und gefährlich, und Emotionen, Reden und Freundschaften bleiben jederzeit unterdrückt. Ein kaltes, akribisches Drama über den Druck, ein ganzes Land auf die Schultern zu legen. DJ

Angriff (1956)

Robert Aldrichs Whipsmart-Drama ist so schneidend wie ein Pianodraht und zynisch bis ins Mark. Während wir uns während der Ardennenoffensive mit der zart benannten Fragile Fox-Kompanie zu einer verpatzten Unterstützungsmission zusammenschließen, befinden wir uns zwischen dem Firmenkapitän und dem „gutlosen Wunder“ Eddie Albert, Lee Marvins manipulativem institutionellen Pferdehändler und Zugführer Jack Palance mit Frustration am scharfen Ende. Ein kleines Wahrzeichen, das es wagte zu behaupten, dass im Krieg “nicht jeder ein Held ist und nicht jede Waffe auf den Feind gerichtet ist”. ALD

Sein oder Nichtsein (1942)

“Also nennen sie mich Konzentrationslager Ehrhardt, oder?” Es ist schwer vorstellbar, welchen Schock Ernst Lubitschs schaumige Komödie bei seiner Veröffentlichung im Jahr 1942 begrüßt haben muss. Hier befanden wir uns im Griff des blutigsten Konflikts in der Geschichte der Erde, und der deutsch-jüdische Emigrant Ernst Lubitsch kam mit einer breiten Hollywood-Satire-Verspottung Nationalsozialismus, Spione, die Lager, das ganze verdammte Schießspiel. Der Film ist eine Geschichte von falschen Identitäten, Backstage-Hi-Jinks und theatralischen Missverständnissen im besetzten Polen. Er ist wirklich lustig. Aber wenn Sie tatsächlich aufhören, darüber nachzudenken, können Sie anfangen zu schreien. TH

Die große Flucht (1963)

Dieser Klassiker an Feiertagen, der vielleicht der unterhaltsamste Film des Zweiten Weltkriegs von allen ist, gewinnt weiterhin Fans, informiert Werbekampagnen und übertönt englische Fußballspiele jedes Mal, wenn eine spontane Wiedergabe seines unglaublich chipperischen Themas klingt. Steve McQueen leitet eine erstklassige Besetzung internationaler Talente, die alle durch das lebhafte Drehbuch viel zu tun haben und von John Sturges ‘muskulöser Richtung flink gerungen werden. ALD

Quentin Tarantino sagt : „Einer meiner Lieblingsfilme aller Zeiten, nicht nur Kriegsfilme. Ich liebe diesen Film. Es ist einer dieser Filme, die mich dazu gebracht haben, mich zu setzen und „Inglourious Basterds“ zu schreiben. ‘

Sohn von Saul (2015)

Die Erniedrigung und der Schrecken des Holocaust wurden noch nie so heftig festgehalten wie bei László Nemes ‘außergewöhnlichem Debüt. Saul ist Mitglied des Sonderkommandos, der jüdischen KZ-Häftlinge, die mit den Leichen der in den Gaskammern Ermordeten befasst sind. Nemes ‘Kamera bleibt buchstäblich im Gesicht von Saul und verwendet so wenig Schnitte wie möglich, um den Betrachter in eine allzu glaubwürdige Vision der Hölle einzutauchen. Wenn es schwierig klingt, ist es das – aber bis sich die Virtual-Reality-Technologie verbessert, ist dies der nächste Schritt, um ein tiefes Verständnis dafür zu erlangen, was wirklich passiert ist. TH

Untergang (2004)

Das haben wir alle schon durchgemacht. Du hast seit Tagen nicht geschlafen. Der Ort ist ein Wrack. Es gibt überall Leergut und man weiß nicht einmal, wer die Hälfte dieser Leute ist. Gib es zu: Die Party ist vorbei. Diese klaustrophobische Darstellung der letzten Tage des nationalsozialistischen Deutschlands findet in den feuchten Korridoren von Hitlers Bunker statt. Das Gefühl des bevorstehenden Untergangs ist spürbar und, wie viel davon auf den Erinnerungen von Hitlers Sekretär basiert, Szenen wie eine wilde Champagnerparty im Hintergrund des russischen Artillerie-Rings bizarr wahr. Leider stand die Geschichte für diese Gäste kurz vor dem Absturz. PF

Leben und Tod von Oberst Blimp (1943)

“Ein hochentwickelter, auffälliger, schlaffer und teurer Film, die schändlichste Produktion, die jemals aus einem britischen Filmstudio stammt.” Das stammt aus einer Broschüre mit dem Titel “Die Schande und Schande von Colonel Blimp”, die dem Publikum, das Tickets kaufte, aufgezwungen wurde, als Powell und Pressburgers tief empfundene Biografie eines fiktiven britischen Armeeoffiziers 1943 zum ersten Mal veröffentlicht wurde. Das große Verbrechen des Films bestand darin, eine deutsche Figur darzustellen in einem positiven Licht – in der Tat, um Verständnis zwischen zwei Ländern im Krieg zu plädieren. Es fühlt sich immer noch wie ein mutiger Schachzug an – und es verleiht einem Film, der muffig und traditionalistisch hätte sein können, eine echte Schneide. TH

Iwans Kindheit (1962)

In den frühen 1960er Jahren war die Blüte des Krieges vorbei – Filme aus dem Zweiten Weltkrieg mussten sich nicht mehr ausschließlich auf Männer mit eckigen Kiefern konzentrieren, die edel gegen den Faschismus kämpften. Heck, sie könnten sogar vorschlagen, dass der Konflikt auf beiden Seiten einen Tribut forderte. Bei Andrei Tarkovskys schimmerndem (und überraschend kurzen) Debüt stolpert ein Junge in das Hauptquartier eines russischen Zuges an der Ostfront und behauptet, wichtige Informationen zu haben. Es stellt sich heraus, dass er ein Junior-Spion ist, der von seiner eigenen Seite eingesetzt wird und mit seinem Hass auf den Deutschen spielt, der seine Familie ermordet hat. Traumhaft und verheerend war dies eine neue Art von Kriegsfilm. TH

Hangmen Also Die! (1943)

Quentin Tarantino sagt … ‘Als ich „Inglourious Basterds“ schrieb, sah ich mir eine andere Art von Kriegsfilm an, als ich sie jemals zuvor gesehen hatte. Dies waren Propagandafilme, die in den 40er Jahren gedreht wurden und hauptsächlich von in Hollywood lebenden ausländischen Regisseuren gedreht wurden, weil die Nazis ihre Heimatländer besetzt hatten, wie Fritz Lang, der die exzellenten “Hangmen Also Die!” Der Zweite Weltkrieg war noch im Gange, die Nazis waren eine echte Bedrohung, nicht nur Filmbösewichte. Diese Direktoren hatten persönliche Erfahrungen mit den Nazis, und offensichtlich mussten sie sich Sorgen um ihre Lieben zu Hause machen. Und doch sind diese Filme unterhaltsam, sie sind aufregende Abenteuergeschichten und sie enthalten viel Humor. Und das widerspricht all den schwerfälligen Diatribien der Geigenmusik, die wir seit den 80er Jahren in Kriegsfilmen gesehen haben.

Von hier in die Ewigkeit (1953)

Wenn Sie sich nur an Burt Lancaster und Deborah Kerr erinnern, die in der hawaiianischen Brandung rollen, ist es Zeit, sich dieses hartnäckige Kriegsdrama im Vorfeld des Angriffs auf Pearl Harbor noch einmal anzusehen. Sicher, es ist nicht so hart (oder so schlechtmütig) wie James Jones ‘entzündlicher Quellenroman, aber es gibt immer noch viele Schocks in Fred Zinnemanns Adaption: Ehebruch, Prostitution, die Tatsache, dass Frank Sinatra handeln kann. Und der Angriff selbst ist ein Belter: Er dauert nur wenige Minuten auf dem Bildschirm und hat mehr Schlagkraft als alle drei Stunden von Michael Bays schrecklichem “Pearl Harbor”. TH

Nacht und Nebel (1956)

Zehn Jahre nach der Befreiung der Konzentrationslager drehte Alain Resnais diesen traurigen 32-minütigen Dokumentarfilm, der einen ebenso klaren und schmerzhaften Einblick in die nationalsozialistische Denkweise bietet wie jeder Film zuvor oder seitdem. Der streng konstruierte Film stellt lediglich die deutsche Wochenschau und die von den Alliierten gedrehten Filme gegenüber, als sie die Lager mit neu gefilmten Aufnahmen von stillgelegten Gleisanschlüssen, leeren Feldern und Gebäudehüllen befreiten, in denen Tausende ihr Leben verloren haben. Resnais ‘Film ist ein Maßstab für die Schwere der Gräueltaten der Nazis. DJ

Hören Sie sich Großbritannien an (1942) und Feuer wurden gestartet (1943)

Zu Beginn des Zweiten Weltkriegs waren alle britischen Kinos geschlossen. Aber Churchills Kabinett erkannte schnell, dass die Filme nicht nur eine großartige Möglichkeit für eine angezogene Bevölkerung waren, sich zu entspannen, sondern auch ein perfekter Kanal für Propaganda waren. Humphrey Jennings ‘Doppel-Meisterwerke mögen zwar unverschämt patriotisch sein, aber sie sind auch zwei der erfinderischsten Dokumentarfilme, die jemals gedreht wurden. Ersteres, gemeinsam mit Stewart McAllister inszeniert, ist ruhiger, eine Art Radio 4 mit Bildern, allen zwitschernden Singvögeln und dem Hauch von Leder auf Weide. “Fires Were Started” spielt zwischen Dokumentarfilm und Drama in der Darstellung eines Tages im Leben eines Feuerwehrmanns im Blitz, aber durch all die Scherze entsteht ein unausweichliches Gefühl der Angst, einer Stadt am Rande des Zusammenbruchs. TH

Das schmutzige Dutzend (1967)

Diese selbstmörderische Symphonie zur Sinnlosigkeit des Krieges ist gelaunt, lustvoll und lächerlich erfreulich und verdient ihren Status als “der größte Film, den Männer auf Mission jemals gedreht haben”.

Quentin Tarantino sagt … ‘Das Erstaunliche an “The Dirty Dozen” und warum ich nicht glaube, dass es heute jemals dupliziert werden könnte, ist die Tatsache, dass man jetzt nie acht solcher Schauspieler finden konnte. Es war nur eine andere Art von Menschen. Robert Aldrich warf einen Stein in einen Baum und Jim Brown fiel heraus, Charles Bronson fiel heraus, John Cassavetes fiel heraus und Telly Savalas … und das ohne Lee Marvin zu erwähnen. Solche Leute rennen nicht mehr herum. ‘

Rom, offene Stadt (1945)

Die Wunden des europäischen Konflikts und der nationalsozialistischen Besatzung waren Ende 1944 in Rom noch zart, was den dokumentarischen Instinkten des italienischen Filmemachers Roberto Rossellini entsprach. “Rom, offene Stadt” stützte sich in den Jahren des Konflikts auf reale Probleme und Situationen. Unnötig zu erwähnen, dass die Brutalität des Besatzungsregimes mit einer schockierenden Offenheit dargestellt wird, nicht nur seine Gleichgültigkeit gegenüber Klasse, Alter, Geschlecht und Religion, sondern auch sein völliger Mangel an logischem Zweck. Rossellini drehte den Film mit Zelluloidresten aus anderen Filmen, was ihm nicht nur eine grobkörnige Wochenschau-Ästhetik verlieh, sondern auch ein echtes Gefühl von Dringlichkeit und Angst. Drei Jahre später erzählte er eine ähnliche Geschichte aus einer anderen Perspektive in “Deutschland, Jahr Null”. DJ

Kreuz aus Eisen (1977)

Sam Peckinpahs einziger Kriegsfilm folgt einem deutschen Zug durch den Rückzug 1943 an der russischen Front. Die düstere und klaustrophobische Fotografie und Peckinpahs klares Verständnis eines funktionierenden Zuges von Männern sind weit entfernt von der monotonen Einfachheit der meisten Kriegsfilme mit großem Budget.

Quentin Tarantino sagt: ‘Ich bin ein großer Fan von “Cross of Iron”, es ist wirklich cool. Ich habe es an dem Tag gesehen, als es geöffnet wurde. Ich war ein kleiner Junge; Ich wusste nichts über die russische Front. Ich denke, es ging mir über den Kopf, aber ich habe es später zu schätzen gelernt. Aber eines der interessanten Dinge an „Cross of Iron“ ist, dass es in Amerika kam und ging, aber es war ein so großer Erfolg in Europa, dass es jahrelang Abzocke inspirierte, was mir einen großen Kick einbrachte. Und einer davon ist der Film, aus dem ich den Namen “Inglourious Basterds” übernommen habe. ‘

Kanal (1956)

Der zweite Film des polnischen Regisseurs Andrzej Wajda folgt den Überresten eines zerlumpten Zuges durch die letzten Tage des Warschauer Aufstands von 1944 und schlägt angesichts der deutschen Aggression einen Rückzug. Sie haben keine andere Wahl und flüchten in die Kanalisation, wo sie nacheinander Unterernährung, Wahnsinn und Tod erliegen. Wajda lässt uns von Anfang an wissen, was uns erwartet, wie uns ein verhängnisvoller Voice-Over mitteilt: „Dies sind die tragischen Helden. Beobachten Sie sie in den verbleibenden Stunden ihres Lebens genau. ‘ Aber er zwingt uns, uns auf diese Charaktere zu beziehen und ihre Persönlichkeiten in subtilen, effektiven Strichen zu skizzieren: den grimmigen und verzweifelten Kapitän, die verliebte Jugend, den fehl am Platz liegenden Künstler. Jedem wird ein Grund zum Leben gegeben; dass wir wissen, dass sie uns nicht nur tiefer interessieren. TH

Grab der Glühwürmchen (1988)

Studio Ghibli Nummer zwei Isao Takahatas eindringliches animiertes Drama verwendet eine Vorlage, die aus “Ivan’s Childhood” und “Come and See” bekannt ist und eine kindliche Perspektive auf Kriegsgräueltaten bietet. Aber wie sein Kollege Hayao Miyazakis “My Neighbor Totoro” aus demselben Jahr geht es auch um die Methoden, mit denen Kinder die Schrecken der Welt ausschließen (Tagträumen, Fantasie und unrealistischer Optimismus). Es kann nicht genug betont werden, wie herzzerreißend und schmerzhaft “Grave of the Fireflies” ist, wenn man einem Jungen und seiner kleinen Schwester folgt, die gezwungen sind, es alleine in der japanischen Wildnis zu machen, während US-Bomber die Städte verwüsten. Roger Ebert nannte es zu Recht einen der größten Kriegsfilme, die je gedreht wurden: Einmal gesehen, wird es niemals vergessen werden. DJ

Der Große Rote (1980)

Die ursprüngliche “Band of Brothers” und einer der detailliertesten und nahrhaftesten Filme des Zweiten Weltkriegs (zumindest im epischen Director’s Cut). Der Film ist im Wesentlichen eine Erinnerung an die eigenen Kriegserfahrungen von Regisseur Sam Fuller – und eine angemessene Hommage an die Männer, die neben ihm gedient haben – und umfasst fast das gesamte europäische Theater, von Nordafrika über Italien bis nach Frankreich, Deutschland und in die Tschechoslowakei. Dies ist jedoch alles andere als ein einfaches Shoot-’em-up, das bizarren und oft grausamen Humor, eine wunderbare Charakterisierung und eine der seltsamsten Kriegsfilmszenen von allen mit sich bringt, da unsere Helden bei der Geburt im Bauch eines gestrandeten Panzers helfen . TH

Eine Frage von Leben und Tod (1946)

Powells und Pressburgers hochfliegende Liebesgeschichte nach dem Tod wurde ursprünglich von einer Regierungsanfrage nach einem Film inspiriert, der die Gemeinsamkeiten zwischen Großbritannien und Amerika beim Eintritt in den Krieg betont. In den Händen von fast jedem anderen Filmteam hätte dies wahrscheinlich zu etwas ziemlich Traditionellem geführt: vielleicht zu einem Actioner, der sich hinter den feindlichen Linien zusammensetzt. Aber in den Händen der einfallsreichsten Filmemacher, die dieses Land jemals produziert hat, war eine so einfache Erzählung unwahrscheinlich. Ausgehend vom Weltraum und mit einem tödlichen Flugzeugabsturz, französischen Geistern, nackten Pan-Pipe-spielenden Kindern, Gehirnoperationen, fieberhaften Halluzinationen, Abraham Lincoln, sprudelnder Romantik und den Hallen des Himmels selbst ist dies eine der größten Fantasien des britischen Films. TH

Die Kräne fliegen (1957)

Dieses visuell entzückende Meisterwerk, das nach Stalins Tod hergestellt wurde, ähnelt eher dem britischen Moralverstärker der 40er Jahre als den sowjetischen Propagandastücken der Nachkriegszeit. Die Geschichte – von jungen Liebenden, die auseinandergerissen und dahin gezogen wurden, wo die Kriegsströmungen sie hinziehen – widersprach dem vorherrschenden Trend zu willigem Opfer und edlem kollektivem Geist. Der Regisseur Mikhail Kalatozov und der Kameramann Sergei Urusevsky machten später “Soja Kuba”, und auch hier zeigt sich ihr einzigartiger, hypnotischer fotografischer Stil: eine erstaunliche Mischung aus kühner Rahmung und handgehaltener Intimität, die jahrelang nicht in das westliche Kino eindringen würde . PF

Dünkirchen (2017)

Es wird oft gesagt, dass Christopher Nolan die Dinge nicht auf gewöhnliche Weise macht. Aber ‘Dunkirk’, seine viszerale, faustnagende, tickende Uhr, erinnert tatsächlich an eine Ära von Kriegsepen wie ‘The Longest Day’ und ‘A Bridge Too Far’. Damals waren die Besetzungen so kolossal und die Requisitenbudgets so enorm, dass man sich manchmal fragte, ob es nicht einfacher wäre, nur den Krieg für echt zu erklären. Nolans Leistung besteht darin, seine Filmgröße und Intimität gleichzeitig zu verbessern. Es ist kein Zentimeter Fett auf den Knochen, nur Tommy, Bürgersegler und der seltsame Offizier, der trotz außergewöhnlicher Widrigkeiten bitter um Erlösung kämpft. PDS

Ging der Tag gut?

Diejenigen von uns, die mit dem Nationalschatz Dame Thora Hird aufgewachsen sind, der auf der BBC furchtbar liebenswert ist, können nur erstaunt zusehen, wie sie am Höhepunkt von Alberto Cavalcantis meisterhaftem Kriegskühler mit einem rostigen alten Jagdgewehr spielerisch beginnt, eindringende Nazis abzuholen. Die Handlung, in der ein Deutscher in ein verschlafenes englisches Dorf abspringt und den Weg für eine große Invasion frei macht, mag Fantasie sein, ist aber alarmierend mächtig. Vor den Landungen in der Normandie veröffentlicht: “Ging der Tag gut?” wurde mit Präzisionswerkzeugen ausgestattet, um all diese Fahrrad-Bobbys, frechen Kneipen und selbstzufriedenen Lairds daran zu erinnern, dass auch sie eines Tages möglicherweise eine ganze Fallschirmjäger-Division übernehmen müssen, die nur mit Nationalstolz und einem Malakka-Spazierstock bewaffnet ist. TH

Das Boot (1981)

Ursprünglich als fünfstündige Miniserie für das deutsche Fernsehen gemacht, für den weltweiten Konsum auf Spielfilmlänge gekürzt und schließlich wieder auf einen 210-minütigen “Director’s Cut” erweitert, bleibt Wolfgang Petersens atemloses, furchterregendes U-Boot-Drama das klaustrophobischste aller Filme des Zweiten Weltkriegs. Der Film ist eine Meisterklasse für sparsames Geschichtenerzählen auf engstem Raum, die den Druck auf Charaktere und Publikum erhöht, bis die Kettenräder quietschen. Die berüchtigte “tiefe …” – Sequenz, in der Kapitän Jürgen Prochnow sein U-Boot in lebensbedrohliche Tiefen treibt, ist immer noch kaum zu beobachten. TH

Shoah (1985)

Es ist vier Jahrzehnte her, seit Claude Lanzmann mit der Arbeit an dieser neunstündigen dokumentarischen Untersuchung der winzigen Details des Massenmordes begonnen hat. Seine Methode bestand darin, Archivbilder und Interviews zu verwerfen und stattdessen zu den Orten des Holocaust zurückzukehren und diejenigen erneut zu interviewen, die Erfahrungen aus erster Hand mit Ereignissen in Auschwitz, Treblinka, Chełmno und im Warschauer Ghetto gesammelt hatten. Seine Themen reichen von jüdischen Überlebenden des Konzentrationslagers bis zu ehemaligen Nazi-Wachen. Dies ist ein umfassendes mündliches Zeugnis, das von einem Filmemacher abgegeben wird, der in seinem Film allgegenwärtig ist, mit Brille und Rauchen, und auf Details und Ehrlichkeit über Emotionen und Ungenauigkeit drängt. Was dabei herauskommt, ist eine beispiellose Form für eine beispiellose Tragödie. DC

Schindlers Liste (1993)

Spielberg jahrelang den Holocaust umkreist und war jedes Mal ein Stück näher gekommen: die Evakuierungszüge in “Close Encounters”, die spöttischen Nazis in “Raiders”, die brutalen Lager in “Empire of the Sun” Dies führte ihn zu dieser verheerenden Adaption von Thomas Keneallys Roman ‘Schindlers Arche’. Ein Vierteljahrhundert später hat der Film, der von Claude Lanzmanns bemerkenswertem Dokumentarfilm “Shoah” inspiriert wurde, nichts von seiner Kraft verloren. Dies ist ein Film, der so sorgfältig ausgearbeitet und in seinen Details so präzise ist, dass er kalt und entfernt werden könnte und die Schrecken, die er darstellt, nicht vollständig spüren kann. Es ist ein Beweis für die schiere Tiefe von Spielbergs Empathie, die niemals auftritt: Trotz seiner visuellen Schönheit ist der Film emotional roh und immer noch schrecklich relevant. TH

Die dünne rote Linie (1998)

Zur Zeit von “The Thin Red Line” hatte Terrence Malick zwei Jahrzehnte lang im selbst auferlegten Exil gelitten, während seine ersten beiden Filme “Badlands” und “Days of Heaven” an Statur zunahmen. Es war also keine Überraschung, dass sich die Hollywood-Elite bei seiner Rückkehr zum Filmemachen freiwillig melden würde. Malicks Adaption von James Jones ‘Memoiren über die Schlacht um Guadalcanal zeigt Sean Penn, John Cusack, Nick Nolte, George Clooney, John Travolta und Woody Harrelson, wobei Billy Bob Thornton, Martin Sheen, Gary Oldman und Mickey Rourke erstaunlicherweise den Schnitt verlassen haben Zimmerboden.

Das übergeordnete Thema in Malicks Arbeit war immer der Übergang von der Jugend zum Erwachsenenalter, von der Unschuld zur Erfahrung, vom Paradies zur Realität, und dies ist keine Ausnahme. Malick malt die umstrittene Insel als verlorenes Eden, die beiden gegnerischen Armeen als unbedeutend angesichts der ewigen Natur. Die Soldaten werden als Individuen angesehen, die Seelen auf ihren eigenen letztendlich zerstörerischen spirituellen Reisen suchen, aber auch als bloße Facetten der natürlichen Welt, die nicht wichtiger sind als die Pflanzen, Vögel und Insekten, die sie umgeben.

Es ist eine außergewöhnliche Vision des Krieges und der Menschheit – gottähnlich, aber letztendlich sympathisch, die nicht nur Herz und Verstand erforscht, sondern auch die Seelen der Menschen im Kampf. TH

Come and See (1985)

Elem Klimovs halluzinatorisches Meisterwerk lässt die berüchtigte Eröffnung von “Saving Private Ryan” wie einen Sonntagsspaziergang im Park erscheinen. Es scheint, als wäre das nächste Kino jemals dazu gekommen, die rücksichtslos unkomplizierte Sinneserfahrung des Krieges nachzubilden. Nach langem Überlegen hielten wir es für angebracht, diesen einzigartigen Film ganz oben auf unsere Liste zu setzen, nicht nur wegen seiner auffallend ehrlichen Darstellung des menschlichen Tributs an Kriegsführung, sondern als ein Werk von erhabener visueller und akustischer Intensität, das jedes Werkzeug des Filmemachers nutzt Arsenal zu unvergesslichen und oft widerlichen Wirkung.

“Come and See” wird aus der Perspektive des weißrussischen Jungen Flyora (Aleksei Kravchenko) erzählt, eines Rekruten der Armee, dessen mutiger Optimismus weggerissen wird, als der Zug, in den er aufgenommen wurde, massakriert wird. Er ist gezwungen, allein in der Wildnis zu überleben, und leidet auf Schritt und Tritt unter unaussprechlichen Empörungen. Klimovs Film argumentiert überzeugend, dass es im Krieg keine Helden gibt, nur Opfer und Täter, und dass keine Menge Waffen und Munition in der Lage sein wird, die Erinnerung an den Holocaust in Einklang zu bringen. Ein verwirrender, niedergeschlagener und unvergesslicher Klassiker.

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